室内设计永恒不变的原则

今天本人觉得非常有面子，很荣幸有那么多的听众来听我的演讲，听我用不太好的中文来谈“室内设计永恒不变的原则”这个演讲题目。各位也许发现讲台两边放了一些布料，这是我特地带来布置场地、营造气氛的，你们看，我自己也稍微打份了一下、布置自己，好让大家眼睛舒服、有赏心悦目的感觉。

在进入主题前，大家应先了解“永恒”二字所指的范围是十分庞大的，就连我们做人、做事的目标都是朝着“永恒”做准备，此话怎么说呢？意思是说，心目中不要只把事情做得差不多、只对自己交差了事就好了，我们应该把目光放远才是。因为做室内设计这行业，不管是设计生活，或是设计环境，做事态度要有头有尾、眼光要有目标；又好像在画一幅画，心中一目了然知道画笔要往哪撇，这是一种经验累积而产生的sense、感觉、知道要达成目标的起点在那里；但是要知道什么时候开始，也要知道何时完毕，不要过份设计。我觉得设计师的思维方式可以比拟做一个漩涡的圆形，理想的状态是由中心点向外扩张出去，设计人的构思运作是开放的，所以我在自己的公司里，常看到许多同仁做设计时，把思维往内压挤，想得越来越琐、越来越狭隘，走入死胡同，于是我会说：“Stop”意思是希望设计者不再只是注意到一个点，告诉他们有时候离开设计桌去睡个觉，或是换个其它的工作项目，不去想正在进行的设计，设计思维便会往外放开了。

而什么是设计？我觉得设计是属于艺术的一部分，也是实用的艺术，现且就艺术（art）、设计（desige）、装饰（decoration）三大范畴，先分别介绍。

什么是“艺术”？艺术是艺术家创造出的美感或价值，能经时间的考验而历久不衰。它的“形”（Form）可能指的是服装的形，也许是一块布料，也许就是室内设计作品的呈现。艺术的“形”所赋予的价值又在哪里呢？是由艺术家的鉴赏眼光而来的，而艺术品的价植经得起时间的千锤百炼和后代人的鉴定，不过我们要评审目前的艺术到底是不是艺术品，有时候并不容易，因为用现在的眼光去评审现在的东西，你必须有历史的sense，也就是一种学问，才不会对别人或自己的作品乱下评论，但当你懂得评赏，别人也跟你有如此的看法，那么，那个“形”不管是建筑，或是画、是雕刻，便接近艺术了。什么是“设计”？就是实际合于美学及整体结构所组成的要素。我们都知道，设计接近一种实用的艺术，假如这个艺术不实用，就好像不具备实用特性的画，只是画家个人感受、想法的表现而已，我们做设计工作的都知道，设计作品不会永久忠实地保持设计师原来的表现，可能哪天返回几年前的设计作品的现场，发现业主在墙上挂了一张会破坏原有整体设计感的画，所以我们的目标是将设计作品设定在接近艺术、接近永恒，不然成不了艺术表现，也没有设计可言，徒然变成空间的装饰效果。

现在我们已经被肯定为艺术品的拉斐而（Raphael）“圣母画”，和蒙得里安（Mondrian）于1930年代画的画作，来解说以上三个不同的特点。拉斐而的“圣母画”画里，人物有圣母、耶稣基督和犹太，主要的基本颜色有蓝色、红色、黄色、白色，蒙得里安画里使用的颜色也不外这几种，但他们所呈现的方式、目标却不同。圣母的背景画面占了全图的三分之二比例，天际线把圣母的脸部和两个小孩的头分为上下两部分，而三者之间的脸，又是用眼光把三人连成一个三角形，于是三角形的构图，在这些背景的天际线、眼光三人手势的方向，甚至是圣母的蓝色衣服，不断地重复着，它完整的设计结构，可能因为某部分高一点、矮一点、歪一点，艺术美感便会有些缺憾；此外，若是了解圣母画的完成时代、目标在那里，你会发现画中带有慈母神韵的圣母眼中，她好像知她儿子将来会受什么样的痛苦，它带给观者的心灵感受因而把画的价值提升起来，不再是走马看花上博物馆，可供一同拍照的名画罢了。

这张蒙得里安于1930年代画的作品，其目标是在四方形的框子里，把它分成大大小小的格子，而大格子用红色处理，其它白、蓝、黄色则依据颜色占画面的比例来分配，分成格状的黑线也有粗细、胖瘦、薄厚、多寡之分，以维持设计的平衡原则。所以蒙得里安的画已达到艺术价值，他设计的目标不是把这画挂在某特定的墙上，而是可以随你的选择挂在哪里，比纯设计的境界更高一层。这个看是平常的箱子便是一件纯设计的实用作品，有抽屉、有门，设计师如何把它变得有点艺术感，这就不光是靠装饰技巧，而是用脑筋设计出兼具实用意义和道理的内涵了，才能让它不仅是好的设计作品，也是好的艺术品。

什么是“装饰”呢？装饰就是将一定的空间由平凡转换成美丽。有位专门收集美国印地安绘画、雕刻、织布的收藏家，其摆设的方式是善加利用收藏品的形状，以及掌握比例的大小、重复等基本原则，用点、线、面来考虑东西有轻重之差异、事物之间的关联性，以便带引出其它事物的存在位置，把内容也变成设计的的部分之一，而不使内容脱节。所以设计、装饰、艺术此三者的价值不单存在当时而已，它追求的目标是恒久地让人欣赏。

设计永恒不变的原则离不开六项原则，也是追求美丽和卓越相关的原则：尺度（Scale）、比例(Proportion)、平衡(Balance)、协调(Harmony)、对比(Contrast)、节奏(Rhythm)。这些不管是在建筑、绘画中，都可以看得到、可以加以印证。以古至今的中国人，仍然很尊重“天、地、人”的关系而言，这关系在做建筑时，是放在环境里、修正环境，并非破坏环境，不过目前有些建筑设计不太一样了，有的建筑把整座山都挖掉，把建筑硬是不自然地放在大自然中，若真是艺术家、装饰家的话，是不会这样破坏环境的，会是跟据树、地、房子的尺度，或是平面、凹面、开面、线的尺度，考虑如何把房子和环境配合在一起，这就属于“尺度”的关系。在香港，一般有的情形是，建筑师或设计师个人决定建筑的尺度；那怕是建筑物耸立直入云霄，也不管下面的尺度，但好的高级建筑设计，其尺是让我们知道人跟空间的关系，假若尺度不对的话，比例也有问题，会造成设计房子时，门可能太高、太大、窗占太多位置等等诸如此类的问题。

像我现在穿黑白配色的服饰，用意只是要听众将注意力放在我身上，但是戏台上的演员便不同了；日本传统戏剧的演员，他除了要使观众看戏、知道他扮演的角色外，也利用手势、服装，或是夸大走路的姿态，将自己在舞台上的身体比例加倍；做设计时，也可以运用这种手法强调某些事物。

再看这间看起来很大的房子，其实只有两坪不到，高度大概有两个榻榻米大而已，之所以看起来很大，主要设计的方法，第一是敞开的天花板，使得没有灯饰的天花板借由引入自然光来扩展空间，第二，利用墙面的水平直线及置物架来制造房子层层高度的错觉，最后再利用摄影技术取画面的角度，从上往下拍摄，并在房子里放个像真人的小木偶，让眼睛错以为看到的房子空间很大。

有关“比例”，我举一个墨西哥建筑师的作品例子，摄影画面主要由一面红墙和大树、树叶所构成的，它们之间的比例，甚至是对比色的关系都十分清楚；图片中看到的这面红墙占了全图很大的比例，而这面墙的比例又是依据旁边的大树和矮树比较出来的，两者的关系再借由墙面流入小池的水注连接起来，于是整个构图，便由于流动的水而倍感一股生命力。

“平衡”的最简单解释定义便如同天平，对称的两边重量一致，呈现出稳定平衡的状态，假如重心比较靠近中心，轻的靠外面，那又是一重不对称的平衡，人的四肢动作也是平衡的最佳典型说明。法国巴黎有一座著名的博物馆，以前原来是火车站，由一位女建筑师改装成现在我们所看到的博物馆，她为了让大家了解如何处理空间的平衡，她亲手拍摄照片留影；照片中，火车站的内部开阔，屋顶用玻璃做成的，空间并因为自然光的引入而明亮起来，灯饰也采用属于明亮的黄色，和运用白色的墙壁来突显挂画，这在当时普遍流行用黑色、咖啡等暗色的用色方式，无疑是借色彩平衡的空间设计手法。我以前国宾饭店设计了一间中式餐厅，颜色以中国吉祥的红色、绿色、金色为主，为了“平衡”，我便是把餐柜、餐椅都漆成红色，让红色、绿色、金色一直在空间中重复着，以达到色彩平衡的效果。力霸饭店有个楼梯的设计，利用玻璃面的铜扶手引导人的视觉往上延伸，就楼梯向上伸展的同时，地面上的盆景摆在中间，旋即有视觉平衡的效果，否则可能看起来很呆板，这也是说明“平衡”。

接下来继续谈“协调”大自然常常给艺术家很多的灵感，艺术家可以用大自然的东西来模仿自然，这目前由故宫博物院收藏的汉代“   玉荷叶水盛”器物上便可以看出；水盛用玉刻成莲花叶的形状，就连托住器物的台座也同样模仿莲花的姿态，两者成为一体；虽然我们知道是人为做成的，但它与真正的自然协调得十分自然，所以这是人借境自然的美，当它越接近自然，所以我们越可以评审它的艺术美。

我们讲到“对比”就要讲到色彩，而对比色有很多种，但是最简单的对比色便是黑、白；这一间用黑白相间的卫浴设备，对比效果不在话下。

节奏，什么是“节奏”？节奏在设计里是很重要的，我们听听看（讲堂上响起‘贝多芬命运第五号交响曲’，谭国良先生随着音律拍打节奏）。各位再看摆在讲台两旁的布料，这些布料上的花样跟中国传统图案有关，而且充满着节奏美感。但首先我们必须了解，布料上的图案是利用有颜色的花样和没有染到颜色的白底相互衬托出一种立体感，这道理用于设计工作，便是要懂得留白的艺术，就如家具不要摆满屋子、墙壁的花样贴满满，让居住的人感觉喘不过气，这块白底红字的布料便说明了留白的概念；但有人告诉我，用红色写字是不吉祥的，看这块布，显然地西方人做东方的图案，往往比较没有避讳、禁忌，当我们不把事情看得那么实际，从远处观赏整块布，红字就变成各有形状的点，那为什么不能当成壁纸看待？另一块布是十八、十九世纪巴黎掀起中国热时，由西方人把在东方看到的图案模拟出的百子图，我个人满喜欢这个图案，它是以黄色为底色，一群小孩子在亭子旁嬉戏的主体图案不断在布上重复，这就变成的百子图，它柔和的配色使我觉得有种节奏感；至于这块东南亚的蜡染布跟百子图则又不同了，图案虽是布满的，不过由于它的节奏感在于染色技术，能掌握多次染色时，让里面的花样仍保有个别清晰的形状。谈了那么多布料花色，其实跟今天谈的主题都有关联的，如果认不清这些布料中蕴含的节奏感，做出来的作品未必好。

再下来看的这两张幻灯片也是我个人非常喜欢的，因为它们充满了令我喜悦的节奏感。这个立式灯饰的乃用四边形平板与曲线状的大理石板前后并立，而灯座造型也采用简单的方形，颇有阴阳、男女、软硬之意趣；它的造型十分简单，表现出的节奏感却如此迷人，若我们能捉到这种原则、手法，已经简化的基本形也可以塑造出美丽的事物。乍看这张椅子，第一个想法多半是坐下去怎不会断掉呢？事实上，它做的很牢固，看似美化有的V型支柱，都考虑到力学的原理；尤其是它黑、白色的底座，以及波浪造型的柱子所形成的节奏感，就像刚才听到的交响乐一般地韵律分明。

这张则是南非的室内设计作品，里面搭配的是帆布、麻布之类的家饰，看起来轻松又休闲，若在南非风格的室内放张法国椅子，没有注意到整体搭配，那看起来会是很奇怪的组合。搭配便是把东西一起摆在空间，既要考虑它所在的环境，也要考虑装饰品的尺寸等设计原则；但也不要因此害怕搭配，若是没有配错过，我们就没有得到学习的经验，所以教育自己有艺术感，就不要怕试验或尝试失败，要慢慢花时间去观看和学习新的概念。你们看这个房间的门，正上方的图画挂的高度似乎比平常高，它的用意是借画来连贯门与上面的气窗所形成，而且的观者的目光停留在画上，将空间连贯成一体。由此可见，每个东西所放的位置都有它的用意，我们了解用意，便会越接近艺术品味，并且吸收了这些用意，我们便能整合经重组过的美感，来批判事物的内在美，成为自己的灵感资源。

以前我当学生的时候，觉得自己的作品是世界上独一无二的，但拿出来给三五同学看，彼此的作品却都有相似之处，所以我理解到idea大家都有，但如何用它、如何环境、室内、生活做配合，将来它就使我们有什么样的设计特色呈现出来；在寻找自己的特色的过程中，肯定的是，地球上没有两个你，你本人已经是特色了。常有些人问我：谭先生，你设计的style是什么？哪件作品能代表你的style？我觉得这些问题很难回答，我认为我的style就是我的认真、我的detail、我的想法而已，那你觉得我的style是在亚都饭店吗？在凯撒饭店？在某某公司吗？这些并不是我的style，因为那是配合业主所需要用的style；我只是一位翻译者，把他们的需要经我的脑筋把它摆出来、赋予实用的功能和一种生命力，然后再加上自己的一些个性、要求，诸如地点、颜色、造型等等细结问题，以及多年累积的经验，就成为我的作品各有各的特色了。

我替凯撒饭店设计的总统套房，整体味道走的是一种休闲式的，像家具多采用藤类的，不要让人有种需要随时清理的感觉，而这种随意的格调，其实就是一种雅致的随意、高级的休闲气氛。

我的另一项作品是一间住宅。它的景深是由餐厅看到书房，位于中间部分的客厅借由地板和沙发的造型暗示两头景深的关系，而书房会因为天花板上的直线只拉了一段，有推向深远的感觉，这种设计用意是为了使人的眼睛有所停留，注意到各个部分。

现在我的女儿已经二十二岁了，这是她四个月大时刚会把头抬起来的照片，她的眼睛睁得大大，给我一种充满希望的感觉，我觉得大家也应该抬起头来看远方；每个人都是特别又独一无二的人，而且地球就是由这些特别的人变成一个新世界，若你希望有个崭新的台北，那就从今天开始，这也是设计群的目标。

室内设计永恒不变的原则

今天本人觉得非常有面子，很荣幸有那么多的听众来听我的演讲，听我用不太好的中文来谈“室内设计永恒不变的原则”这个演讲题目。各位也许发现讲台两边放了一些布料，这是我特地带来布置场地、营造气氛的，你们看，我自己也稍微打份了一下、布置自己，好让大家眼睛舒服、有赏心悦目的感觉。

在进入主题前，大家应先了解“永恒”二字所指的范围是十分庞大的，就连我们做人、做事的目标都是朝着“永恒”做准备，此话怎么说呢？意思是说，心目中不要只把事情做得差不多、只对自己交差了事就好了，我们应该把目光放远才是。因为做室内设计这行业，不管是设计生活，或是设计环境，做事态度要有头有尾、眼光要有目标；又好像在画一幅画，心中一目了然知道画笔要往哪撇，这是一种经验累积而产生的sense、感觉、知道要达成目标的起点在那里；但是要知道什么时候开始，也要知道何时完毕，不要过份设计。我觉得设计师的思维方式可以比拟做一个漩涡的圆形，理想的状态是由中心点向外扩张出去，设计人的构思运作是开放的，所以我在自己的公司里，常看到许多同仁做设计时，把思维往内压挤，想得越来越琐、越来越狭隘，走入死胡同，于是我会说：“Stop”意思是希望设计者不再只是注意到一个点，告诉他们有时候离开设计桌去睡个觉，或是换个其它的工作项目，不去想正在进行的设计，设计思维便会往外放开了。

而什么是设计？我觉得设计是属于艺术的一部分，也是实用的艺术，现且就艺术（art）、设计（desige）、装饰（decoration）三大范畴，先分别介绍。

什么是“艺术”？艺术是艺术家创造出的美感或价值，能经时间的考验而历久不衰。它的“形”（Form）可能指的是服装的形，也许是一块布料，也许就是室内设计作品的呈现。艺术的“形”所赋予的价值又在哪里呢？是由艺术家的鉴赏眼光而来的，而艺术品的价植经得起时间的千锤百炼和后代人的鉴定，不过我们要评审目前的艺术到底是不是艺术品，有时候并不容易，因为用现在的眼光去评审现在的东西，你必须有历史的sense，也就是一种学问，才不会对别人或自己的作品乱下评论，但当你懂得评赏，别人也跟你有如此的看法，那么，那个“形”不管是建筑，或是画、是雕刻，便接近艺术了。什么是“设计”？就是实际合于美学及整体结构所组成的要素。我们都知道，设计接近一种实用的艺术，假如这个艺术不实用，就好像不具备实用特性的画，只是画家个人感受、想法的表现而已，我们做设计工作的都知道，设计作品不会永久忠实地保持设计师原来的表现，可能哪天返回几年前的设计作品的现场，发现业主在墙上挂了一张会破坏原有整体设计感的画，所以我们的目标是将设计作品设定在接近艺术、接近永恒，不然成不了艺术表现，也没有设计可言，徒然变成空间的装饰效果。

现在我们已经被肯定为艺术品的拉斐而（Raphael）“圣母画”，和蒙得里安（Mondrian）于1930年代画的画作，来解说以上三个不同的特点。拉斐而的“圣母画”画里，人物有圣母、耶稣基督和犹太，主要的基本颜色有蓝色、红色、黄色、白色，蒙得里安画里使用的颜色也不外这几种，但他们所呈现的方式、目标却不同。圣母的背景画面占了全图的三分之二比例，天际线把圣母的脸部和两个小孩的头分为上下两部分，而三者之间的脸，又是用眼光把三人连成一个三角形，于是三角形的构图，在这些背景的天际线、眼光三人手势的方向，甚至是圣母的蓝色衣服，不断地重复着，它完整的设计结构，可能因为某部分高一点、矮一点、歪一点，艺术美感便会有些缺憾；此外，若是了解圣母画的完成时代、目标在那里，你会发现画中带有慈母神韵的圣母眼中，她好像知她儿子将来会受什么样的痛苦，它带给观者的心灵感受因而把画的价值提升起来，不再是走马看花上博物馆，可供一同拍照的名画罢了。

这张蒙得里安于1930年代画的作品，其目标是在四方形的框子里，把它分成大大小小的格子，而大格子用红色处理，其它白、蓝、黄色则依据颜色占画面的比例来分配，分成格状的黑线也有粗细、胖瘦、薄厚、多寡之分，以维持设计的平衡原则。所以蒙得里安的画已达到艺术价值，他设计的目标不是把这画挂在某特定的墙上，而是可以随你的选择挂在哪里，比纯设计的境界更高一层。这个看是平常的箱子便是一件纯设计的实用作品，有抽屉、有门，设计师如何把它变得有点艺术感，这就不光是靠装饰技巧，而是用脑筋设计出兼具实用意义和道理的内涵了，才能让它不仅是好的设计作品，也是好的艺术品。

什么是“装饰”呢？装饰就是将一定的空间由平凡转换成美丽。有位专门收集美国印地安绘画、雕刻、织布的收藏家，其摆设的方式是善加利用收藏品的形状，以及掌握比例的大小、重复等基本原则，用点、线、面来考虑东西有轻重之差异、事物之间的关联性，以便带引出其它事物的存在位置，把内容也变成设计的的部分之一，而不使内容脱节。所以设计、装饰、艺术此三者的价值不单存在当时而已，它追求的目标是恒久地让人欣赏。

设计永恒不变的原则离不开六项原则，也是追求美丽和卓越相关的原则：尺度（Scale）、比例(Proportion)、平衡(Balance)、协调(Harmony)、对比(Contrast)、节奏(Rhythm)。这些不管是在建筑、绘画中，都可以看得到、可以加以印证。以古至今的中国人，仍然很尊重“天、地、人”的关系而言，这关系在做建筑时，是放在环境里、修正环境，并非破坏环境，不过目前有些建筑设计不太一样了，有的建筑把整座山都挖掉，把建筑硬是不自然地放在大自然中，若真是艺术家、装饰家的话，是不会这样破坏环境的，会是跟据树、地、房子的尺度，或是平面、凹面、开面、线的尺度，考虑如何把房子和环境配合在一起，这就属于“尺度”的关系。在香港，一般有的情形是，建筑师或设计师个人决定建筑的尺度；那怕是建筑物耸立直入云霄，也不管下面的尺度，但好的高级建筑设计，其尺是让我们知道人跟空间的关系，假若尺度不对的话，比例也有问题，会造成设计房子时，门可能太高、太大、窗占太多位置等等诸如此类的问题。

像我现在穿黑白配色的服饰，用意只是要听众将注意力放在我身上，但是戏台上的演员便不同了；日本传统戏剧的演员，他除了要使观众看戏、知道他扮演的角色外，也利用手势、服装，或是夸大走路的姿态，将自己在舞台上的身体比例加倍；做设计时，也可以运用这种手法强调某些事物。

再看这间看起来很大的房子，其实只有两坪不到，高度大概有两个榻榻米大而已，之所以看起来很大，主要设计的方法，第一是敞开的天花板，使得没有灯饰的天花板借由引入自然光来扩展空间，第二，利用墙面的水平直线及置物架来制造房子层层高度的错觉，最后再利用摄影技术取画面的角度，从上往下拍摄，并在房子里放个像真人的小木偶，让眼睛错以为看到的房子空间很大。

有关“比例”，我举一个墨西哥建筑师的作品例子，摄影画面主要由一面红墙和大树、树叶所构成的，它们之间的比例，甚至是对比色的关系都十分清楚；图片中看到的这面红墙占了全图很大的比例，而这面墙的比例又是依据旁边的大树和矮树比较出来的，两者的关系再借由墙面流入小池的水注连接起来，于是整个构图，便由于流动的水而倍感一股生命力。

“平衡”的最简单解释定义便如同天平，对称的两边重量一致，呈现出稳定平衡的状态，假如重心比较靠近中心，轻的靠外面，那又是一重不对称的平衡，人的四肢动作也是平衡的最佳典型说明。法国巴黎有一座著名的博物馆，以前原来是火车站，由一位女建筑师改装成现在我们所看到的博物馆，她为了让大家了解如何处理空间的平衡，她亲手拍摄照片留影；照片中，火车站的内部开阔，屋顶用玻璃做成的，空间并因为自然光的引入而明亮起来，灯饰也采用属于明亮的黄色，和运用白色的墙壁来突显挂画，这在当时普遍流行用黑色、咖啡等暗色的用色方式，无疑是借色彩平衡的空间设计手法。我以前国宾饭店设计了一间中式餐厅，颜色以中国吉祥的红色、绿色、金色为主，为了“平衡”，我便是把餐柜、餐椅都漆成红色，让红色、绿色、金色一直在空间中重复着，以达到色彩平衡的效果。力霸饭店有个楼梯的设计，利用玻璃面的铜扶手引导人的视觉往上延伸，就楼梯向上伸展的同时，地面上的盆景摆在中间，旋即有视觉平衡的效果，否则可能看起来很呆板，这也是说明“平衡”。

接下来继续谈“协调”大自然常常给艺术家很多的灵感，艺术家可以用大自然的东西来模仿自然，这目前由故宫博物院收藏的汉代“   玉荷叶水盛”器物上便可以看出；水盛用玉刻成莲花叶的形状，就连托住器物的台座也同样模仿莲花的姿态，两者成为一体；虽然我们知道是人为做成的，但它与真正的自然协调得十分自然，所以这是人借境自然的美，当它越接近自然，所以我们越可以评审它的艺术美。

我们讲到“对比”就要讲到色彩，而对比色有很多种，但是最简单的对比色便是黑、白；这一间用黑白相间的卫浴设备，对比效果不在话下。

节奏，什么是“节奏”？节奏在设计里是很重要的，我们听听看（讲堂上响起‘贝多芬命运第五号交响曲’，谭国良先生随着音律拍打节奏）。各位再看摆在讲台两旁的布料，这些布料上的花样跟中国传统图案有关，而且充满着节奏美感。但首先我们必须了解，布料上的图案是利用有颜色的花样和没有染到颜色的白底相互衬托出一种立体感，这道理用于设计工作，便是要懂得留白的艺术，就如家具不要摆满屋子、墙壁的花样贴满满，让居住的人感觉喘不过气，这块白底红字的布料便说明了留白的概念；但有人告诉我，用红色写字是不吉祥的，看这块布，显然地西方人做东方的图案，往往比较没有避讳、禁忌，当我们不把事情看得那么实际，从远处观赏整块布，红字就变成各有形状的点，那为什么不能当成壁纸看待？另一块布是十八、十九世纪巴黎掀起中国热时，由西方人把在东方看到的图案模拟出的百子图，我个人满喜欢这个图案，它是以黄色为底色，一群小孩子在亭子旁嬉戏的主体图案不断在布上重复，这就变成的百子图，它柔和的配色使我觉得有种节奏感；至于这块东南亚的蜡染布跟百子图则又不同了，图案虽是布满的，不过由于它的节奏感在于染色技术，能掌握多次染色时，让里面的花样仍保有个别清晰的形状。谈了那么多布料花色，其实跟今天谈的主题都有关联的，如果认不清这些布料中蕴含的节奏感，做出来的作品未必好。

再下来看的这两张幻灯片也是我个人非常喜欢的，因为它们充满了令我喜悦的节奏感。这个立式灯饰的乃用四边形平板与曲线状的大理石板前后并立，而灯座造型也采用简单的方形，颇有阴阳、男女、软硬之意趣；它的造型十分简单，表现出的节奏感却如此迷人，若我们能捉到这种原则、手法，已经简化的基本形也可以塑造出美丽的事物。乍看这张椅子，第一个想法多半是坐下去怎不会断掉呢？事实上，它做的很牢固，看似美化有的V型支柱，都考虑到力学的原理；尤其是它黑、白色的底座，以及波浪造型的柱子所形成的节奏感，就像刚才听到的交响乐一般地韵律分明。

这张则是南非的室内设计作品，里面搭配的是帆布、麻布之类的家饰，看起来轻松又休闲，若在南非风格的室内放张法国椅子，没有注意到整体搭配，那看起来会是很奇怪的组合。搭配便是把东西一起摆在空间，既要考虑它所在的环境，也要考虑装饰品的尺寸等设计原则；但也不要因此害怕搭配，若是没有配错过，我们就没有得到学习的经验，所以教育自己有艺术感，就不要怕试验或尝试失败，要慢慢花时间去观看和学习新的概念。你们看这个房间的门，正上方的图画挂的高度似乎比平常高，它的用意是借画来连贯门与上面的气窗所形成，而且的观者的目光停留在画上，将空间连贯成一体。由此可见，每个东西所放的位置都有它的用意，我们了解用意，便会越接近艺术品味，并且吸收了这些用意，我们便能整合经重组过的美感，来批判事物的内在美，成为自己的灵感资源。

以前我当学生的时候，觉得自己的作品是世界上独一无二的，但拿出来给三五同学看，彼此的作品却都有相似之处，所以我理解到idea大家都有，但如何用它、如何环境、室内、生活做配合，将来它就使我们有什么样的设计特色呈现出来；在寻找自己的特色的过程中，肯定的是，地球上没有两个你，你本人已经是特色了。常有些人问我：谭先生，你设计的style是什么？哪件作品能代表你的style？我觉得这些问题很难回答，我认为我的style就是我的认真、我的detail、我的想法而已，那你觉得我的style是在亚都饭店吗？在凯撒饭店？在某某公司吗？这些并不是我的style，因为那是配合业主所需要用的style；我只是一位翻译者，把他们的需要经我的脑筋把它摆出来、赋予实用的功能和一种生命力，然后再加上自己的一些个性、要求，诸如地点、颜色、造型等等细结问题，以及多年累积的经验，就成为我的作品各有各的特色了。

我替凯撒饭店设计的总统套房，整体味道走的是一种休闲式的，像家具多采用藤类的，不要让人有种需要随时清理的感觉，而这种随意的格调，其实就是一种雅致的随意、高级的休闲气氛。

我的另一项作品是一间住宅。它的景深是由餐厅看到书房，位于中间部分的客厅借由地板和沙发的造型暗示两头景深的关系，而书房会因为天花板上的直线只拉了一段，有推向深远的感觉，这种设计用意是为了使人的眼睛有所停留，注意到各个部分。

现在我的女儿已经二十二岁了，这是她四个月大时刚会把头抬起来的照片，她的眼睛睁得大大，给我一种充满希望的感觉，我觉得大家也应该抬起头来看远方；每个人都是特别又独一无二的人，而且地球就是由这些特别的人变成一个新世界，若你希望有个崭新的台北，那就从今天开始，这也是设计群的目标。